Cinismo

El cinismo es el sentido del humor del despechado.

Principios

Hay tres asuntos que no logro comprender y, mucho menos, justificar. A saber, que a una persona no le guste:
1.- El chocolate, especialmente el negro puro.
2.- El bocadillo de jamón y queso con el pan con aceite.
3.- La cerveza fría.
Comprendo, eso sí, que a un individuo, en determinado momento de su existencia, no le apetezca alguno de los tres elementos enlistados. Pero no concivo que existan personas a las que no le guste ninguno de los tres.

Actores

¿Os habéis dado cuenta de que si nosotros en una situación real balanceáramos estúpidamente el volante como lo hacen los actores cuando graban que están conduciendo en una película, nos mataríamos en cualquier recta?

Leyendas

No existe persona en el mundo a la que no le guste consumir leyendas urbanas de suspense.

Aforismo del cómico

Al final, si puedes reírte de sus propios chistes, por lo menos no podrás quejarte de que nadie te encuentre divertido.

Otro en su cama

El sabía que esta noche otro había ocupado su lugar en la cama. Lo sabía, era tan larga la noche y tan grande el colchón, era tanto el calor y tanto el fuego en el cuerpo de ella, era tanta la humedad y tanta la sed en su piel, que podía llegar a entender que esa noche el ventilador hubiera ocupado su lugar en la cama.

Además, aunque no consiguiera hacerla gemir como él, seguro que ella se despertaba con la garganta igual de irritada.
(Igual esta última frase sobraba)

La verdad según Sir Arthur

Cuando has eliminado lo imposible, lo que queda, por improbable que parezca, debe ser la verdad. Ese era el método de deducción de Sir Arthur Conan Doyle.


Colonoscopia

Se le llama colonoscopia porque cuando te la hacen, allí dentro podrían descubrir un continente.

Leo

Leo Cien años de soledad y pienso en dedicarme a la ganadería en lugar de escribir.
Luego leo a otros y me planteo que el Nobel está ahí.

Novelas

Escribir una mala novela es una pena para el autor y el lector. Buscar justificación es un delito.

Cantar

Yo canto muy mal. Una vez le estaba cantando una nana a mi hijo y de repente me dijo: Papá, ¿por qué no cantas fuera de la habitación? Es que tengo sueño y quiero dormir.

Volar

Coger un avión (tomar para mis amigos mexicanos), sea cual sea el destino o la compañía, equivale hoy en día a que lo traten a uno como a una mierda. Vamos, como si el avión te cogiera a ti (aquí sí es eso, sí, mis queridos charritos)

Remordimiento

Quería saber si era cierto eso del remordimiento, y lo es, me lo ha remordido todo.

Interesantes

A mi me pasa lo mismo que a todos, que a veces pienso que digo cosas interesantes. A ti también te pasa, ¿eh?, no mires para otro lado.

De dudosa procedencia

Si quieres aderezar un comentario tuyo con un condimento para que siempre quede chistoso, no dudes en agregarle la frase "de dudosa procedencia". hazme caso, nunca falla, aunque esto lo he leído en un artículo de dudosa procedencia.

Egoísmo

Queda demostrado que los hombres no somos egoístas. Si comparamos la masturbación con el sexo compartido, puesto que el fin es el mismo, ¿por qué preferimos lo segundo? Sí, por ellas.

Corriente literaria

Soy el creador de una nueva corriente literaria, la he generado al cerrar de golpe las tapas del Larousse Gastronomique.
(Dedicado a Unaria, que hoy cumple años)

La protesta de Menuda Galeria


La Menuda Galería mostrará a través de “La Protesta”, la obra de artistas cuyos principales rasgos son destellos de un lamento: Abel Azcona con Exp.09812 (2015), protesta contra el abuso de menores, obra que se complementa con un microrrelato de Joan Feliu; Laura León con La doble velocidad del Dragón (2011), protesta contra las condiciones en las que viven aquellos que migran para ser requeridos como mano de obra; Abel Robino con Retratos de Golondrina (2013), protesta contra la emigración temporal de los temporeros, de modo que no se produce integración ni arraigo; Rodrigo Rodrich con Selva Baja (2013), protesta contra la destrucción del ecosistema y las culturas indígenas; Vicente Prades Mateu con La Memòria Inocent (2016), protesta contra la contaminación medioambiental; Matías Sánchez con Famoso después de muerto (2014), protesta contra las dificultades que tienen los artistas para vivir del arte; Arturo Comas con Todos vamos a morir (2014), protesta contra los convencionalismos sociales; Fernando Roldán con S.T (2015), protesta contra el uso de la violencia física; y Claudia de Vilafamés con Desesperança (2016), protesta contra las estructuras económicas que actúan como verdugos que asfíxian hasta la desesperación al pueblo.

Os dejo con el texto de la comisaria Sonia Montins:

El más bello bólido-protesta 

Mirar una obra de arte se convierte a veces en un acto de dimensiones astrológicas. Ocurre en particular, cuando la carga emocional que el artista pone en su ejecución, es tal que a simple y primera vista, el espectador puede apreciar cómo se dirime esa distancia que lo separa del cuadro. Suceso que concluye al estallar en su interior cual meteoro, en pedazos significantes, derivas de un sueño, una emoción o una protesta. En esta última intención, es en la que se encuadra la exposición “La protesta” que presenta Menuda Galería (Castellón), a partir del 9 de julio, nutrida de los fondos de la colección MARTE. En esta, se retoma y revisa la representación de la moción pulsional que emerge del artista, y cuyos inicios en la escena española se encuentran a principios de los años 60, tal y como se narra a continuación.

Del 12 al 25 de marzo de 1960, tuvo lugar en la Sala de Exposiciones del Ateneo Mercantil de Valencia, la primera y última exposición colectiva de Arte Normativo Español, organizada por el grupo valenciano Parpalló,i y a la que acudieron, entre otros, Equipo 57,ii que practicaban por entonces la abstracción geométrica. Este término, “normativismo”, fue acuñado por el crítico Vicente Aguilera Cerni,iii en referencia a la responsabilidad social del arte y a la sensibilidad colectiva. Además de tal exposición, el experimentalismo del “arte normativo”, estuvo apoyado por un fuerte programa ideológico construido principalmente por críticos de arte como Antonio Giménez Pericás, José María Moreno Galván y con mayor implicación y entusiasmo el ya citado Vicente Aguilera Cerni.

Tras la exposición mencionada, el movimiento no fraguó, sino que pasó casi desapercibido en el panorama nacionaliv e internacional. A pesar de lo fugaz de este experimentalismo, su principal aportación no estuvo en la práctica artística sino en la teórica, que hablaba de la necesidad de un arte con función social y con capacidad de transformar la vida, que no se podía obviar de la forma en la que los informalistas lo hacían. Le dieron tintes de compromiso colectivo, responsabilidad ética y rigor racional al arte español pues “normativizar” era negarse a lo vacío y a lo confuso para agruparse en torno a la norma, la cual persigue la razón, el análisis y el pensamiento humano.v Comenzó así un debate intenso en torno a la necesidad de replantearse las relaciones entre arte y sociedad, del que se publicaron numerosos artículos en revistas de arte de la época como Acento Cultural, Pensamiento, Claustro o Cuadernos de Arte, que dejaron testimonio de lo difícil que sería a partir de entonces, trazar una línea divisoria entre arte, política y sociedad.
De esta manera empezaron los años 60 en España, con los artistas reviviendo a ritmo frenético el desarrollo histórico del arte moderno al son de dos posicionamientos estéticos: el informalismo abstracto y la abstracción geométrica de Parpalló y Equipo 57, cuyas teorías y artistas pronto derivaron en el realismo crítico de Equipo Crónica (1964) y Equipo Realidad (1966), pero más evidente e incisivo, en los colectivos de grabadores que bajo el nombre de Estampa Popular se asociaron en distintos puntos del país a principios de los sesenta bajo la siguiente campaña:

“El ancho meridiano de nuestro suelo, desde las adustas y solemnes llanuras castellanas, desde las sierras andaluzas y extremeñas y desde las suaves costas levantinas mordidas por el blando azul mediterráneo hasta la brava orilla cantábrica, está ya recorrido por hombres que abandonaron hace tiempo el folklore y la zampoña lírica para asomar su duro pelaje humano a la realidad” vi

Poco después serían los Crónica y los Realidad, los que seguirían el impulso crítico, declarando estos últimos que:

“Desde el momento en que un periodo histórico es determinado por factores de tipo económico, cultural, político y social; desde que el dato económico, cultural, político y social se encuentra tan mezclado que todos sus factores son a la vez determinantes y determinados; desde el momento en que la obra de arte es un producto cultural que, como tal, debe responder a su momento histórico, nosotros pensamos que la obra de arte debe estar comprometida con el sentido de la perspectiva, del progreso moral del hombre, y luego ayudar al desarrollo del grupo social al cual ese hombre pertenece. (…) Tales son las razones que nos impulsan a una necesaria contestación en el arte.” vii

Justificaciones ambas, de un arte contestatario y comprometido política, social y culturalmente que aún no siendo pionero en la historia del arte, sí lo fue, al menos de manera tan explícita, en el contexto español. Además, entre estas formaciones coincidentes en el tiempo, se pudo ver como el mensaje de protesta se vistió de diferentes técnicas artísticas y narrativas. Por un lado, Estampa Popular fue un amplio movimiento de grabadores asentados en varios núcleos de la geografía española, que hizo un uso heterogéneo de la técnica del grabado, habilidad con no pocos referentes reaccionariosviii. De estos, Aguilera Cerni diferenció entre “la actitud sarcástica” de los valencianos, “el realismo más o menos expresionista” de los madrileños, “el lirismo rebelde” de los andaluces o el “realismo épico” de los vascos.ix

Por otro lado, Equipo Crónica (Rafael Solbes, Manuel Valdés) y Equipo Realidad (Jorge Ballester y Juan Cardells), se relacionaron con la figuración pop crítica tomando como recursos a personajes de cómic, imágenes a todo color, elementos publicitarios de los medios de comunicación, del cartelismo y referencias de los artistas internacionales pioneros en este movimiento. Se distinguían entre ellos porque Equipo Crónica partía de una imagen pictórica ya realizada en la Historia del Arte y Equipo Realidad, de una fotografía que mostrara la realidad cotidiana difundida principalmente por los medios de comunicación. En cuanto a sus diferencias con el Pop internacional, se hallan en que lo artificial no era el objeto a representar sino su participación en la obra, el juego con las imágenes que en su mayoría estaban llenas de tensión y carga política, pues las condiciones españolas eran distintas a las democracias que iniciaron este movimiento.

Así pues, en el guión temporal posterior, estos estilos iniciales se han ido multiplicando en dispares formas artísticas rumbo a la fotografía y el juego con la misma o a cualquiera de las manifestaciones ilimitadas que conlleva el arte de acción entre otras. Pero además de los diversos usos para narrar un “estar en contra de”, también se han dado a posteriori diferentes grados en lo obvio de la crítica. Así es, como la protesta en el arte ha ido evolucionando y manifestándose en la forma en la que el artista ha considerado oportuno, desdibujando al paso de las décadas, las disputas iniciadas en los 70 en torno al compromiso político explícito o ecléctico de los artistas españoles. Un ejemplo cercano a los anteriores, se encuentra en las declaraciones del artista polifacético Herminio Molero, miembro del grupo Los Esquizos y por tanto de la Nueva Figuración Madrileña, quien de su actitud artística en los primeros 70 dijo:

“No éramos combatientes al uso de pasearnos con bandera roja por la Gran Vía y eso les desconcertaba. Realmente nuestra forma de lucha consistía en ignorar que existía una dictadura. Para nosotros ya estaba muerta y como tal nos comportábamos. […] A los burdos engranajes de la dictadura se les escapaba un tipo de subversión tan sutil como la nuestra.”x
Sutil o no, se hace evidente en una sociedad cada vez más globalizada, que la obra o el proceso de todo artista libre conlleva el reflejo implícito de su latido humano, la visualización de una forma de querer estar en el mundo, de evidenciar una dolencia interior, así como su solidaridad o su responsabilidad moral con otros. Y es en este sentido, en el que el arte y su capacidad de llegar a muchos y muy adentro, se puede considerar como el mejor y más bello bólido-protesta.


i El grupo Parpalló nació el 23 de octubre de 1956 en Valencia, bajo el auspicio del Instituto Iberoamericano de Valencia. En 1958 se reestructuró debido a una crisis interna disociándose de la rama oficial del ICH. Tras esta desvinculación, formaron una asociación bajo el mismo nombre, en la que permanecieron los siguientes componentes: Cerni, Pericás, Andreu Alfaro, Doro Balaguer, Monjalés, Sempere, José Martínez Peris, Juan José Estellés y Pablo Navarro, tomando su arte a partir de entonces una actitud más comprometida mediante la abstracción geométrica de unos y la pintura informal de otros, que se prolongó hasta 1961. Esta diferencia estilística se compensaba con sus compromisos políticos comunes, que los llevaron a ser represaliados por el régimen e incluso al exilio.
ii Equipo 57 se forma el año 1957 en París. Sus obras se acercaban al constructivismo, al neoplasticismo y a la idea de transformar la sociedad por medio del arte. Entre sus miembros destacaron Ibarrola, Ángel Duarte o Juan Cuenca. El por entonces director del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, avistó una de sus exposiciones en París y los animó a exponer en España. El equipo regresó a su país y comenzó a exponer no sin dificultades económicas y travas a su pensamiento crítico, lo cual forzó la disolución del colectivo en 1961.
iii En la XXIX Bienal de Venecia celebrada en 1958, el crítico Vicente Aguilera Cerni, recibió el Premio internacional de la crítica. La notoriedad que adquirió a partir de entonces, lo puso a cubierto del aparato represor franquista y empezó por ello, una etapa para él más activa uniendo las vertientes de protesta, política y arte. Así pues, se convertirá en el impulsor de grupos como Parpalló, Estampa Popular o Crónica de la Realidad entre otros. Vergniolle Delalle, Michelle, La palabra en silencio. Pintura y oposición bajo el franquismo, Valencia, PUV, 2007, pp.121-122.
iv La prensa de la época estuvo más preocupada por la actualidad fallera, el terremoto de Agadir o la muerte de Marañón. Solamente el diario valenciano Levante, por entonces órgano de Falange-JONS, publicó una entrevista a Aguilera Cerni y una editorial al respecto, de su director: Sabino-Alonso. Ramírez, Pablo y Llorente, Ángel, “¿Ha dicho usted normativo…?, Crónica de una exposición única”, Arte Normativo, Valencia, Consell General del Consorci de Museus de la C.Valenciana, 2010, p.78.
v Barreiro, Paula, Arte normativo español. Procesos y principios para la creación de un movimiento, Madrid, CSIC, 2005, pp. 51-75.
vi Vidal de Nicolás, en VV.AA, Catálogo de mano exposición Estampa Popular en San Sebastián, 9-23 marzo de 1962.
vii Este texto es la declaración de principios del Equipo Realidad y apareció publicado por primera vez enLe Monde en Question, exposición colectiva organizada por el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris en 1967. El Equipo empezó su tournée en ese año y la exposición citada es en la que recogerían más éxito para impulsar su trayectoria. Realidad, Valencia, IVAM, 1993
viii La técnica de grabado de Estampa Popular, símbolo de rechazo y protesta a los totalitarismos, recibe influencias de coetáneos extranjeros como el Taller de Gráfica Popular de Méjico o de la Cooperativa portuguesa de Gravura, pero también de pintores españoles como Picasso, o de la tradición española como Goya. de Haro García, Noemí, “Referentes”, Estampa Popular: Un arte crítico y social en la España de los años sesenta. Universidad Complutense de Madrid, 2010, pp.93-145
ix Aguilera Cerni, Vicente, “Estampa Popular”, Correo del Arte, nº. 124, Madrid, Movinter Press, 1996,pp. 36-37.
x Molero, Herminio en Eguizábal, Raul: “La vida densa”. Periódico de Arte, nº 10, Madrid, Buades 1987, pp. 65-71.

Pregó de voluntats creatives a Castelló / Pregón de Voluntades Creativas en Castellón


Pregó de voluntats creatives a Castelló

Som artistes a Castelló. Expressem la nostra voluntat de ser creatius a Castelló, el que no implica haver nascut aquí, sinó que, encara de forma eventual o conjuntural, desenvolupem els processos creatius amb vinculació a aquesta terra.

Com a artistes a Castelló ens sentim membres d'una comunitat, però expressem la nostra voluntat que, independentment de treballar en un àmbit o un altre, de pertànyer a una associació o grup, de participar en unes accions o unes altres, l'art siga entès com l'expressió fonamental de l'individu, el major mitjà de coneixement personal. Expressem la nostra voluntat de parlar a través de les nostres obres, que siga la nostra creativitat la que ens represente. Expressem la nostra voluntat d'evolucionar, de ser crítics i, en conseqüència, de canviar d'opinió quantes vegades ho necessitem.

Com a artistes a Castelló respectem les manifestacions artístiques dels nostres col·legues, i expressem la nostra voluntat d'alimentar la nostra creativitat integrant les experiències d'altres persones. Expressem la nostra voluntat que el proper pas evolutiu de l'espècie humana siga la solidaritat enfront de la destrucció del món. Expressem la nostra voluntat que la creativitat, tant individual com social, sigui la peça clau per resoldre els problemes que se li plantegen a l'espècie humana. Expressem la nostra voluntat que els nous camins de l'evolució siguin el resultat de la cooperació i la interrelació.

Com a artistes a Castelló no acceptem divisions entre creatius, i molt menys la distinció entre artistes antics i emergents. Ens neguem a entendre la creativitat com una cosa acabada, reduïda a la categoria inferior de l'estereotip. Expressem la nostra voluntat de defensar que el vàlid no és tant el producte final sinó el procés el resultat es dóna en l'individu mateix. Expressem la nostra voluntat que el nou, l'emergent, estiga sempre present en la nostra vida d'artista. Expressem la nostra voluntat de crear, d'emergir, independentment del temps que portem intentant-ho.

Com a artistes a Castelló volem saber l'opinió dels altres sobre les nostres creacions, però expressem la nostra voluntat d'aprendre des de la tolerància, d'assumir les nostres pròpies incapacitats, de buscar solucions sense traumes, ni frustracions, ni radicalismes. Expressem la nostra voluntat de buscar la realitat solidàriament, de captar globalment els problemes i de crear des multiplicitat d'angles i de diversos punts de vista. Expressem la nostra voluntat de ser receptius davant els altres, perquè l'observació d'imperfeccions és el que manté l'individu en activitat creativa, el que l'obliga a estar en constant disposició de buscar nous camins o diverses respostes. Com més portes i finestres s'obren més possibilitats hi ha de buscar nous camins i mons diferents.

Com a artistes a Castelló afirmem que neixem creatius sols en potència i rebutgem dogmatitzar sobre la pertinència d'unes o altres pràctiques artístiques o de pontificar sobre el model d'artista correcte. Expressem la nostra voluntat de practicar la creativitat com un procés de formulació d'hipòtesis, de verificació de les mateixes i de comunicació dels resultats, convertint-se així en un procés investigador que es desenvolupa dins el mateix individu. La personalitat creativa es fa, no neix feta.

Expressem la nostra voluntat de defensar la llibertat com a condició de l'ésser humà i el compromís de l'artista amb la defensa de la mateixa.Pregón de voluntades creativas en Castellón

Pregón de Voluntades Creativas en Castellón
Somos artistas en Castellón. Expresamos nuestra voluntad de ser creativos en Castellón, lo que no implica haber nacido aquí, sino que, aún de forma eventual o coyuntural, desarrollamos los procesos creativos con vinculación a esta tierra.

Como artistas en Castellón nos sentimos miembros de una comunidad, pero expresamos nuestra voluntad de que, independientemente de trabajar en un ámbito u otro, de pertenecer a una asociación o grupo, de participar en unas acciones u otras, el arte sea entendido como la expresión fundamental del individuo, el mayor medio de conocimiento personal. Expresamos nuestra voluntad de hablar a través de nuestras obras, de que sea nuestra creatividad la que nos represente. Expresamos nuestra voluntad de evolucionar, de ser críticos y, en consecuencia, de cambiar de opinión cuantas veces lo necesitemos.

Como artistas en Castellón respetamos las manifestaciones artísticas de nuestros colegas, y expresamos nuestra voluntad de alimentar nuestra creatividad integrando las experiencias de otras personas. Expresamos nuestra voluntad de que el próximo paso evolutivo de la especie humana sea la solidaridad frente a la destrucción del mundo. Expresamos nuestra voluntad de que la creatividad, tanto individual como social, sea la pieza clave para resolver los problemas que se le plantean a la especie humana. Expresamos nuestra voluntad de que los nuevos caminos de la evolución sean el resultado de la cooperación y la interrelación.

Como artistas en Castellón no aceptamos divisiones entre creativos, y mucho menos la distinción entre artistas antiguos y emergentes. Nos negamos a concebir la creatividad como algo acabado, reducido a la categoría inferior del estereotipo. Expresamos nuestra voluntad de defender que lo válido no es tanto el producto final sino el proceso cuyo resultado se da en el individuo mismo. Expresamos nuestra voluntad de que lo nuevo, lo emergente, esté siempre presente en nuestra vida de artista. Expresamos nuestra voluntad de crear, de emerger, independientemente del tiempo que llevemos intentándolo.

Como artistas en Castellón queremos saber la opinión de los demás sobre nuestras creaciones, pero expresamos nuestra voluntad de aprender desde la tolerancia, de asumir nuestras propias incapacidades, de buscar soluciones sin traumas, ni frustraciones, ni radicalismos. Expresamos nuestra voluntad de buscar la realidad solidariamente, de captar globalmente los problemas y de crear desde multiplicidad de ángulos y de diversos puntos de vista. Expresamos nuestra voluntad de ser receptivos ante los demás, porque la observación de imperfecciones es lo que mantiene al individuo en actividad creativa, lo que le obliga a estar en constante disposición de buscar nuevos caminos o diversas respuestas. Cuantas más puertas y ventanas se abren mayores posibilidades hay de buscar nuevos caminos y mundos diferentes.

Como artistas en Castellón afirmamos que nacemos creativos sólo en potencia y rechazamos dogmatizar sobre la pertinencia de unas u otras prácticas artísticas o de pontificar sobre el modelo de artista correcto. Expresamos nuestra voluntad de practicar la creatividad como un proceso de formulación de hipótesis, de verificación de las mismas y de comunicación de los resultados, convirtiéndose así en un proceso investigador que se desarrolla dentro del mismo individuo. La personalidad creativa se hace, no nace hecha.

Expresamos nuestra voluntad de defender la libertad como condición del ser humano y el compromiso del artista con la defensa de la misma.

Jam Poética

Mañana hay jam poética en La Bohemia. La última vez que fui a una, el rapsoda hizo un homenaje al poema "Se equivocó la paloma" y terminó gritando ¡Viva Alberti! Entonces sentí un impulso irrefrenable y grité yo también ¡Manque pierda! No he vuelto.

He salvado muchas vidas

¿Y qué me decís de toda esa gente que está viva ahora gracias a que no estudié medicina?. ¡Viven gracias a mi!

Pánico (este microrrelato es duro)

Una tenue luz la despertó cuando se abrió la puerta. Deseó que fuera un fantasma, pero era su padre otra vez.

Intentarlo

Hay veces que sabes que algo no va a funcionar, y a pesar de eso lo intentas. Es como cuando le dices a alguien: mira disimuladamente.

Pensar mucho o poco

Pensar las cosas poco tiempo puede tener sus beneficios, al fin y al cabo cuando pasas mucho tiempo pensando en algo, lo más normal es que llegues tarde.

Ríete

Si no sabes reirte de ti mismo, avísame. No, no te enseñaré a reirte de ti mismo, pero yo puedo reirme de ti por ti.

Ennio Flaiano

Decía Ennio Flaiano que “Los días inolvidables de la vida de un hombre son cinco o seis en total, los demás hacen volumen”

Hambre, frio y miedo

Cuando tienes hambre, pues tienes hambre. Cuando tienes frío, pues tienes frío. Cuando tienes miedo, pues tienes miedo. No nos gusta tener hambre, frío y miedo, porque sólo cuando no tienes ni hambre, ni frío ni miedo, sólo entonces, puedes concentrarte en estar descontento.

Comunista

Yo sería más comunista, pero es que no me lo puedo permitir.

Custodia, aviso, celebración y deterioro del presente. Vicente Greus en Menuda Galeria



 
Tótems retrata un mundo deshecho. Un mundo producto de la memoria evanescente de una historia deteriorada. Con su trabajo, Vicente Greus, combate el cambio y las transformaciones de los tiempos que atentan contra la concepción de lo permanente, de lo que queda plasmado en la fotografía. Con su obra salvaguarda ruinas y llena un lugar vacío, porque carga los lugares de significación. Con su visión, automáticamente, lo ruinoso se convierte en una obra nueva y lo perdido abandona el olvido.


Las fotografías nos muestran cosas increíbles, nos muestran cosas ordinarias de manera que sorprenden. En todas las fotografías siempre hay una combinación de lo que el fotógrafo pretende mostrar y lo que no se pretendía: lo que es revelado por la fotografía como un bono fascinante. No debemos ver estas fotografías como una reliquia nostálgica de tiempos pasados, sino como un modo de desarrollar la alfabetización visual sobre el entorno urbano y el proceso de cambio. Cada fotografía se toma en un lugar, es obvio, pero es que cada fotografía es parte de este sitio, ya sea de manera intencional o no. El lugar retratado tiene una identidad, propósito e historia. Es local. Las fotografías muestran el presente, un trozo del ahora de ese espacio local.

Tenemos la tendencia a mirar las fotografías como pasado, como instrumentos de la nostalgia o como un registro para la posteridad, pero son especialmente interesantes para decir lo que es ahora. Parte de este ahora son las marcas efímeras de la arquitectura, las escenas urbanas desoladas, el desgaste.

Estos tótems son parte del funcionamiento cotidiano de la ciudad, son recuerdos del pasado pero también custodia, aviso, celebración y deterioro del presente. Los tótems, en esa aparente inutilidad, entorpecen el espacio. La naturaleza y la soledad se han adueñado de ellos. Pero parecen más vivos que nunca. En esa calma, la obra semeja jamás desaparecer. Una suerte de leve destrucción que la mantiene en un desgaste infinito, y por lo tanto, infinitamente viva.

Tótems.
Vicente Greus
Menuda Galería.
27/05/2016-24/06/2016.
Inauguración: 21h 27/05/2016.

Exposición fotográfica. Serie de 30 fotografías en blanco y negro en pequeño formato cuadrado, editadas digitalmente.

Al loro





El loro es un plagiador de palabras, pero el que está encerrado es el jilguero, que es el creador de melodías. Medítese.

Mayas

A mi los mayas me causaban más respeto antes de que la gente comenzara a llamarlos leggins.

La formación

-Una formación artística evade la pedantería crítica y justifica cada narración como herramienta susceptible de ser utilizada como vehículo de intenciones ideológicas.
-Una malformación mental también.

Cosas que pasan en mi pueblo

En Onda (provincia de Castellón). Querer ir de la calle Cervantes a la calle San Miguel en coche. Darte cuenta de que se te acabará la gasolina antes de que lo logres. Ir a repostar. Volver a intentarlo. Liarte y acabar en Alfondeguilla. Quedarte a dormir por miedo a volver a perderte. Empadronarte. Ser elegido alcalde. Esas cosas incontrolables de la vida.

La fantástica intención


El maestro del arte de la caligrafía kodai-moji, Kenryo Hara, nos presenta su obra “Intention” en O+O Galería, del 13 de mayo al 13 de junio. En sus obras, el artista japonés utiliza papeles y telas de gran formato y habitualmente brochas muy gruesas, sirviéndose predominantemente de la tinta china. 

Y con estas poco más que tres líneas doy por cumplido el encargo de la galería de redactar una presentación y paso a divagar sobre la misma.

La práctica del Kodai-moji es un arte raro. Ya sé que no es un adjetivo demasiado académico, pero me parece raro. Es primitivo y sagrado. O sea, raro. Me explico, esta exposición nos permite apreciar que la escritura no es únicamente una técnica o práctica con fines utilitarios, sino todo un camino de evolución y desarrollo personal. Mucho más que ir a verla para apreciar una buena y depurada caligrafía, deberíamos acudir dando importancia a la intención y el proceso, desvinculando nuestra opinión del resultado. Es eso lo que nos permitirá ver el nacimiento de una obra libre y creativa. 
 
El sólido proceso de intensificación que se consigue a lo largo de los trazos nos remite a un efecto único que nace de una exigente elaboración y explica la configuración de símbolos que el artista comparte con el lector (me encanta utilizar la palabra lector en lugar de espectador, pues siempre he considerado el arte como un lenguaje). Perfectamente estructurado, el dibujo de Kenryo Hara nace y se da dentro de una esfera en la que el escritor/artista ha trabajado desde el interior hacia el exterior, moviéndose implícitamente y llevándolo a su tensión extrema.  
 
Estamos frente a un mecanismo de construcción de universos significativos que tiene su punto de partida en lo sugerido por el signo.

Es una obra fantástica (tómese en la acepcción que se quiera, luego volveré sobre esta idea) hecha para hacer de la escritura un intento por releer el mundo. Detrás de cada imagen se esconde el misterio y la hermosura que yace en lo extraordinario que es lo ordinario, creándose una realidad propia, singular, cuyos fundamentos sólo se sostienen con la propia imaginación. Kenryo Hara nos invita a perdernos en las delicias de la ensoñación y en la creación de un mundo imaginario que nos hace olvidar que, sobre todo para una sociedad globalizada como la nuestra, no es preciso tener una etnia o un paraje ancestral para que nuestra identidad sea vigorosa y esté cargada de historia y de leyenda, ya que todas ellas, sin importar su procedencia, nos pertenecen con el mismo derecho, si queremos hacerlas nuestras. 


Lengua y cultura se imbrican mutuamente. No hay acceso real a una lengua sin un conocimiento simultáneo del marco cultural que le da significado. La lengua es en sí misma una creación cultural. Así que es preciso meteros un poco en el ambiente cultural japonés para disfrutar de la exposición. Quien haya visto la película “Tigre-Dragón” de Ang Lee (disculpen lo comercial de mis referencias, no tengo otras) habrá reparado en que la enigmática guerrera protagonista es igual de diestra con la espada que con el pincel. Ambos terrenos hacen circular la energía y el gesto de un modo similar. Y es que, desde el punto de vista pragmático, la escritura japonesa se caracteriza por una gran meticulosidad y precisión y, en consecuencia, riqueza léxica en la expresión de objetos materiales y especialmente en la descripción del mundo de las sensaciones, a través de la adjetivación o incluso la onomatopeya, lo cual hace del idioma un instrumento muy apto para el discurso literario o estético.

Es una obra fantástica, ya he advertido que reincidiría en el calificativo. De hecho, no es casual que la fantasía (literaria) japonesa se remonte al periodo Nara, allá por el siglo VIII (710-784), justo cuando Japón adoptó el sistema de escritura china (el kanji), trayendo consigo todo tipo de influencias y pensamientos, religiones y costumbres, y su literatura, claro está. Es entonces cuando aparecen las primeras leyendas, mitos y cuentos. Cuando los japoneses dominaron la escritura, comenzaron a recapitular todas aquellas leyendas populares que sólo se sabían de oídas, naciendo así los mitos (shinwa), las leyendas (densetsu) y los cuentos (ninsetsu). Todas ellas, antes de la llegada de la escritura, pertenecían a unas figuras imperiales llamadas Kataribe, quienes eran los únicos que poseían el espíritu de las palabras (kotodama) y su poder mágico (kotoage), siendo los responsables de transmitir a la población japonesa las historias y las "palabras de los dioses". Esto se fue acabando con la llegada de la cultura escrita. La escritura, como la que vemos, democratizó la fantasía y la hizo perdurable.

Fantaseemos nosotros también para terminar. Voy a contar una historia, tomada con el mismo grado de respeto y desvergüenza de la tradición popular japonesa. Digo esto porque la he modificado a mi antojo sin rubor para que concluya sirviendo de reflexión sobre mi opinión respecto a Kenryo Hara. Dice así:

Un campesino que no tenía con qué alimentar a su familla se acordó un dia de desesperación de una costumbre que prometía una fuerte recompensa al que fuera capaz de desafiar y vencer al maestro de una escuela de kodai-moji.

Aunque no había cogido un pincel en su vida, el campesino desafío al maestro más famoso de la región. El día fijado, delante de un publico numeroso, los dos hombres se enfrentaron.

El campesino, sin mostrarse nada impresionado por la reputación de su adversario, lo esperaba en la sala, mientras que el maestro de kodai-moji estaba un poco turbado por tal determinación.

¿Quién será este hombre?, pensaba. Jamás ningún villano hubiera tenido el valor de desafiarme. ¿No será una trampa de mis enemigos?, se decía.

El campesino, acuciado por el hambre, se adelantó resueltamente hacia el papel. El Maestro dudaba, desconcertado por la total ausencia de técnica de su adversario. Finalmente, dejó caer la brocha movido por el miedo. Antes incluso del primer, llamemosle asalto, el maestro sintió que iba a ser vencido. Bajó su cabeza y dijo:

“Usted es el vencedor. Por primera vez en mi vida he sido batido. Entre todas las escuelas de kodai-moji, la mía es la más renombrada, y es conocida en todas partes con el nombre de La que en un solo gesto lleva diez mil significados. ¿Puedo preguntarle, respetuosamente, el nombre de su escuela?”

“La escuela del hambre”, respondió el campesino.

Y es que no hay nada mejor para crear belleza sincera que tener la necesidad de hacerlo. Hay que pintar/escribir desde las vísceras y sentirlo en las entrañas, con hambre.

De la familia

Su esposo era para ella como de la familia.

Blogger

No escribir mucho en este blog es signo de que estoy siendo útil en algo y al contrario.

Drogas

Muchos de los grandes pensadores, humoristas y escritores de la historia han logrado su máxima inspiración y han creado sus más importantes obras gracias al consumo de drogas. Un servidor, drogado, seguramente sería más ingenioso, pero como las drogas son para los faltos de personalidad, os tendréis que conformar con mis escritos.

La memòria inocent de Prades Mateu


La memòria, la mort i l'empremta que ens deixa el passat.
L'exposició d'obres de Vicent Prades Mateu, sèries d'acrílics de 75x105cm que s'articulen com a obres singulars, en triptics i quadriptics, amb el recurs de l'escriptura i referències figuratives, especialment enfocades a la mirada, el ulls, com a nexe s'inaugura al MIAU Fançara el 14 de maig.

Diu Prades Mateu que "Lo mas honesto para empezar es decir que no se nada, solo puedo hablar de mis experiencias estas forman parte de la verdad, es necesario este preámbulo para reafirmarme en la humildad y la sencillez. La memoria inocente rescata al niño que fui, que esta dentro de mi y que jamas murió, solemos llamar evolución a estos estados donde el tiempo fagocita nuestro pasado. Afortunadamente cuando desperté de este sueño que a todos nos atrapa me di cuenta que lo que conservo con mayor satisfacción es la memoria de ese niño inocente. Me gusta mucho pintar, reconozco que me resultaría muy difícil quedarme sin hacer nada, indudablemente podría ser un camino muy coherente a mi estado actual de pensamiento ya que he llegado al convencimiento que este mundo en el que vivimos es tan falso como real, falso porque no existe y real porque el sueño que nos atrapa esta tan bien entretejido que nos lo hace creer, lo vivimos como real. Esto forma parte de la respuesta existencial que no he dejado de preguntarme sobre quien soy y que hago aquí. Solo he encontrado la respuesta cuando la he hecho desde la conciencia, es sin duda hacia donde afortunada e inevitablemente no encaminamos. Desde este escenario he construido mis obras, no para dar lecciones a nadie, ni para cambiar el mundo, que lecciones podría dar esa inocencia, unicamente la encarnación del niño se ve enriquecida con la experiencia de la madurez, trato de expresar metafóricamente un mensaje de unidad, la disparidad de imágenes que se representan quieren ser unidad.
Las miradas, los textos y las figuras son un argumento de comunicación que no se sostiene si no se mira desde la conciencia universal, el lenguaje y la comunicación nos atrapa, no nos permite despertar, el lenguaje que tanto ha ayudado en el ciclo evolutivo actual sera ahora un gran problema para el nuevo progreso o desarrollo. No podemos tener cada uno nuestra verdad, confundimos la verdad con la experiencia, a la conciencia se llega a traves del silencio. Así pues he construido estas pinturas para compartirlas con la gente de una forma singular, las voy a colgar en los balcones del valle de Fanzara, un bonito pueblo del alto mijares del 14 al 17 de mayo de 9 a 22 h" 

 
La figura d'un ull simbolitza la recepció del coneixement, i a l'hora l'expressió, la manifestació cap a l'exterior del posseïdor de l'ull. És, per tant, una bona metàfora de la memòria com a receptacle i repositori del coneixement. L'aparició de les grafies té a veure també amb eixa memòria i la necessitat de que siga perdurable. D'acord amb el doctor i grafòleg Max Pulver, que va establir les bases del simbolisme que regeixen la interpretació de l'escriptura a partir d'espai en el qual aquesta es troba, l'ésser humà es mou entre dues tendències antagòniques, entre el passat i el futur; entre la memòria i el quevindre. L'exposició és una fabulació. Fabular és explicar una realitat. És fer ús de la memòria. Aquestes obres cal veure-les com si escoltarem el murmuri mut d'un conte que ens narra idees que provenen d'un altre que al seu torn ha recollit idees d'altres i així successivament. Així que l'exposició és un estrèpit silenciós de moltes idees recollides en l'espai de la memòria de moltes ments i molts temps. I tot això va rebotant en el nostre interior, de tal manera que llegir les obres de l'exposició és com sentir-nos a nosaltres mateixos, de vegades com un ressò de la memòria d'altres. Així que llegir aquestes obres és com una immersió en el nostre interior més personal i més col·lectiu.



L'exposició tracta de ser com un llibre de mirada recollida. Cal recórrer els seus fulls. Les obres exigeixen una lectura que al seu torn requereix d'un exercici d'introspecció ideològica en tant que es formulen preguntes sobre com s'entén la realitat en aquesta dialèctica del que és socialment compartit i l'individual . Tots els coneixements que emmagatzemem, producte de les nostres vivències ens permeten, gràcies a la memòria, decidir que fer en el present i com programar els desitjos de futur. Tenim passat, present i futur gràcies al fet que tenim memòria. Sense memòria deixem de ser. Perdem la nostra identitat. A la memòria no viu el nostre passat, viu la nostra història. Deia Milan Kundera que la vida és la memòria del poble, la consciència col·lectiva de la continuïtat històrica, la manera de pensar i de viure.


L'home que recorda és l'home que aprèn. L'home sol sap el que recorda. I entre tots fem memòria col·lectiva, la que permet a les societats humanes traçar un full de ruta cap al progrés, la llibertat i l'edificació d'una cultura pròpia.

La memòria com a l'únic paradís del qual no podem ser expulsats.







Romanticismo

A veces ella se quedaba mirándolo y pensaba si después de tantos años no habrían perdido el romanticismo en su relación. Luego se fijaba en sus ojos y se decía a sí misma: ¡y una polla hemos perdido el romanticismo!

Condición humana

A todos nos gusta hacerles a los demás lo que no nos gusta que nos hagan a nosotros mismos. Eso es así.


La derrota del vegano

Hacer comida vegetariana con forma de comida carnívora, del tipo de hamburguesas de espinacas o salchichas de cogollos a les fines herbes, evidencia la derrota moral del vegetariano, porque los carnívoros nunca haremos un brócoli de embuchado, por ejemplo.

Enriqueta Hueso: cuando salvaje viene de salvar





Se fijaron los dioses en Enriqueta Hueso. Dos de ellos, al menos. En concreto Afrodita, en la mitología griega la diosa de la belleza, el amor, el deseo y la reproducción; y Dioniso, el dios de la fiesta y la locura, de la exaltación y el desorden.

Las antítesis estilísticas que representan estos dos dioses, y que caminan una junto a otra, casi siempre luchando entre sí, solo de vez en cuando aparecen fundidas, y entonces se produce la delicia de la existencia de una obra en la que todos gozamos de la pasión.

Las pinturas son algo muy real. Pero lo que Enriqueta Hueso quiere crear y transmitir pertenece ya al ámbito de lo divino. Mientras los colores flotan aún como imagen de la fantasía ante los ojos del artista, éste continúa jugando con lo real. Cuando el artista traspasa esa imagen al entendimiento de todos y nos la hace visible, ya está creando como un dios, como una diosa, en este caso.

Y es que Enriqueta Hueso crea con los colores utilizándolos solo lo necesario para hacer nacer con ellos una nueva vida. Juega con apariencias abstractas que no solo engañan, sino que embaucan. Pues es propio de la esencia de Afrodita esa mesurada limitación, ese dominio de las emociones más salvajes, esa sabiduría y sosiego del artista. Y digo sosiego pensando bien el sustantivo, pues a pesar de su conocida vehemencia, el ojo de Enriqueta Hueso posee el sosiego de Afrodita. Aun cuando parezca a veces encolerizada y siempre pasional, se halla divinamente bañada en la solemnidad de la bella apariencia con que sabe convertir todo cuanto toca.



También hay algo en Enriqueta Hueso de Dioniso, pues en su embriaguez (la del dios que no la de la artista), quedaba anulado el principium individuatiotis (principio de individuación), con lo que lo subjetivo desaparece totalmente ante la eruptiva violencia de lo general, de lo humano, y más aún, de lo natural y, en consecuencia universal, que es lo que define la obra de Enriqueta Hueso. Todas las delimitaciones que la necesidad y la arbitrariedad han establecido entre los seres humanos desaparecen en las obras de Enriqueta. Es común, ante su obra, sentirse mágicamente transformado. Es casi algo sobrenatural. Acepto que cuando la pintora crea, los animales no hablan, ni la tierra da leche y miel, aunque igualmente Enriqueta tiene motivos para sentirse Dioniso, porque todo lo que vivía sólo en su imaginación ahora es percibido, sentido -mejor dicho- por otros. 
El lector me reclamará, justamente, que dedique algunas líneas a las características estilísticas de su obra. Aquí las tiene. Enriqueta Hueso crea de una manera casi cruda y brutal, resucitando en sus obras, con frecuencia a gran escala, una pincelada textural, expresiva y de colores intensos.

Es una resistente caminante hacia la libertad creativa. Detrás de su abstracción se esconde la filosofía, la duda y el deseo. Es, efectivamente, una obra descaradamente abstracta. Todas las obras evidencian una respuesta visceral a través de la aplicación del color, aunque algunas emplean un enfoque más rebuscado y pictórico, y por ello más eficaz para atraer al espectador. No obstante, es fácil ver en alguna de sus pinturas la invocación de una nube de tormenta de Tiepolo, las colinas en el fondo de una crucifixión de El Greco; los pasajes alucinógenos de mármol de Fra Angélico, o las meditaciones de Hockney en las ondas de una piscina. La imitación de aleatoriedad natural es el pasatiempo favorito del pintor abstracto, pero se diría que en este caso su imaginería tiende a ser metonímica más que metafórica.

Es un enfoque, el de Enriqueta, que explícitamente invita a muchas interpretaciones. Se manifiesta una intencionalidad y también una accidentalidad, como si se deleitara en empujar al espectador a una posición de interlocutor con el lienzo. Tengo una obra suya en mi casa y a veces me produce una sensación de profunda desesperación; en unas ocasiones veo una ira sin resolver por parte de la artista; en otras estoy ante la representación del furor erótico, o la exhortación a la revolución. Pero siempre transmite una gran pasión y me recuerda que estoy vivo aún. No me cabe ninguna duda de que Enriqueta Hueso se involucra en el juego psicológico de pulsar nuestros botones emocionales con el color.




Desde luego es una pintura salvaje que me recuerda en cierta medida a Die Brücke en cuanto a que aquel grupo de pintores alemanes expresionistas reunidos en Dresde entre 1905 y 1913, creían que la fuente de inspiración era el instinto y el impulso humano, y por tanto, despreciaban las reglas de la sociedad. En todo caso Enriqueta Hueso es una salvaje. Y no hablo concretamente de los Junge Wilde, aunque hay evidentes coincidencias en el uso de pinceladas rápidas y amplias e imágenes expresivas de colores intensos. El término joven salvaje se refería originalmente a un grupo de físicos jóvenes de la década de 1920, que revolucionó, con nuevas formas de pensar, la mecánica cuántica, y, como a muchos de aquellos artistas de finales de 1970, la palabreja se aplica en todos los segmentos de la sociedad a personas que están a punto de desplazar lo establecido. En eso es salvaje.  

Y encima tiene pinta de buena persona. Y de ser una tía moderadamente feliz. Como yo, supongo. Probablemente como tú, lector. Y creo que esa pinta de buena gente y su moderada felicidad se basan en su humanidad.

Como habrá apreciado el lector, abandono el análisis estilístico y vuelvo a mis particulares percepciones sobre la persona que anda detrás de las pinturas, si es que la autora y sus obras no son una misma cosa. Así pues, si lo que busca es un estudio objetivo, puede el lector abandonar aquí. Si no, tampoco queda tanto por leer, aunque advertido queda de que lo que viene a continuación es subjetivo, y quizá por ello más verdad.



¿Se puede ser salvaje y buena persona? ¿Afrodita y Dioniso? Sí, si te muestras salvaje con la injusticia, con la mentira, con el dolor y el sufrimiento. Con el fracaso y la incomprensión. Muchas de las series de Enriqueta Hueso, las más monocromas y enraizadas con la grafía oriental, me producen una profunda tristeza, una sensación de fracaso. Son como un golpe fuerte en mi cabeza. Y, sin embargo, son las que más me gustan, más me atraen y más me acercan a la visión transformadora del mundo que tiene la artista. Quizá sea porque allí donde el hombre es más humano es en el fracaso, en sentirse incomprendido, tratado injustamente, golpeado por la sociedad. Muchos somos los que encontramos belleza en la caída. Cuando una persona se siente vilipendiada, se presenta vulnerable y ruedan por el suelo las caretas. En cambio, supongo que por malsana envidia, siempre me ha parecido vulgar el éxito. ¿Te has dado cuenta, querido lector, de que los triunfadores de hoy son los de siempre? Seguro que no eres el único al que le huele peor la arrogancia del ganador que el sudor del derrotado. Igual al leer esto crees que Enriqueta y quien escribe somos amargados y resentidos, pero detén tu apresurado vivir y deléitate con la hermosura que acompaña la impotencia de lo humano y la liberación de asumirse limitados.

Hace años, pululando yo en otros hemisferios, anoté una frase del periodista peruano César Hildebrand. La obra de Enriqueta Hueso ha hecho que la recordara. Decía que el éxito suele ser el espejismo del hoy y que muchísimos fracasos son la posteridad del mañana. Así que, cuando veo una obra de Enriqueta a mí me da por pensar: “Amiga mía, lo tuyo es un elogio a todos los que jamás serán molestados por un autógrafo; a los que agachan la mirada ante la agresividad; a los que no encuentran las palabras para declararse a esa mujer o a ese hombre que los sobresalta; a los descendientes de las derrotas; a los carne de cañón; a los últimos que jamás serán los primeros; a los que hacen cola en el hospital público; a los que tienen la mejilla reventada de tanto ponerla; a los que lo han perdido todo alguna vez; y a los que se creen poco y valen mucho”.

Porque en este mundo asesino de singularidades, mandado hacer por idiotas belicosos, ¿qué es éxito y qué es fracaso? ¿Es un fracaso ser consecuente con lo que se piensa y pagar por ello? ¿Es un fracasado el apaleado a las puertas del Banco Mundial? ¿Es un fracasado el que llora a solas por las ballenas? Es un incomprendido, un luchador, un valiente.



La obra de Enriqueta parece alimentarse de las experiencias de aquellos que surcaron los intentos de la vida y no alcanzaron más que el olvido de una incomprensión. Porque la injusticia es una fosa común donde yace la mayoría; una fosa que almacena un conocimiento y sabiduría conmovedores.

Historia para el día del libro

El Nobel de literatura pensó que contratar a una prostituta sería una buena manera de celebrar el día del libro en el año de Cervantes. La chica, de origen oriental, para complacerlo comenzó a recitar Hamlet mientras se lo follaba, porque no conocía ninguna obra de don Miguel. Y a pesar de todas las controversias suscitadas por la mayor gloria de uno u otro autor, el Nobel de literatura se dio cuenta que en la situación en la que se encontraba, el hecho de que la rapsoda tuviera predilección por el anglosajón, simplemente se la sudaba.


Humano

¿El mejor amigo del hombre es humano? ¡Ah! El mejor amigo del hombre es su mano. Eso sí.

Natalidad

Parece ser que ha descendido el índice de natalidad en España. esto ha desatado la alarma en varios sectores. Los constructores de chiquiparques están convirtiéndolos en centros para la tercera edad, van a cambiar los juguetes de Playschool por dominós. Y las asociaciones de AMPAS van a ofrecer servicios de canguros a los niños mayores de 35 años... aunque igual van a tener que cambiar el nombre del animal.

Subliminal

Me acusan de poner tengo mensajes subliminales una polla en mis posts y no sé enorme por qué.

Contracción

No habría que montar tanto follón por una contracción muscular que dura unos pocos segundos. Si, me refiero a eso.

Knows and avows the deliciousness of her sex


Una mujer me espera es el inicio de un poema de Walt Whitman que hemos utilizado como nexo de unión de la propuesta plástica de Ana Beltrán, en él se contiene el verso “sin rubor la mujer a quien amo sabe y pregona lo deleitable de su sexo”.


Whitman publicó su primera recopilación de doce poemas en 1855 y eligió para ella el perenne título de “Hojas de hierba”. Años después sumó otros nuevos poemas y reordenó un nuevo libro, al que llamó “Hojas de hierba”. Años después lo volvió a hacer y así hasta nueve veces publicó Whitman un libro que era a la vez el mismo y diferente, siempre con el mismo nombre. Estuvo toda su vida reescribiendo el mismo libro. Sumando y quitando poemas, organizándolos en diversas partes, estructurandolos de diversa manera.


 Ana Beltrán, desde “Bellas y siniestras” a “Mujeres Mitológicas”, pasando por “Símbolos de mujer”, “Retratos de Mexicali” o el libro “9 diosas”, ha proyectado una exposición que se nutre de la experiencia anterior, como Whitman, pinturas como hojas de hierba que configuran un universo femenino, sensual, reivindicativo y personal.


Cada uno de los proyectos expositivos, editoriales, musicales, de Ana Beltrán, configuran uno sólo, una epopeya de la vida, íntima y a la vez pública, soñada pero llena de realidad.

Como Whitman, la obra de Ana Beltrán lleva a la gente a reencontrarse consigo misma.

Como Whitman, podría decir “Soy poeta del cuerpo y soy poeta del alma”.






Pintora del cuerpo y alma, su obra mantiene un crecimiento orgánico a base de exposiciones, intervenciones, actuaciones, que son como oleadas sucesivas o estratos superpuestos... que son coherentes con el compromiso por la libertad y la igualdad de la mujer en todos sus aspectos, incluyendo el sexual.





“Lo deleitable” es una exposición enumerativa, de sucesiones de imágenes que se van engarzando como los versos del poema; de formato libre como la rima de Whitman; de ramificaciones y subdivisiones que en lugar de perdernos dan coherencia al conjunto.




La obra de Ana Beltrán, desde “Bellas y siniestras” invoca y recuerda la dualidad, el binomio del ser ser humano que es mujer y diosa; cielo y tierra; inmortalidad y mortalidad; ternura y erotismo; alegría y tristeza; realidad y sueño; pasión y serenidad; rostro y máscara; humilde y sublime; evidente y sutil; carnal y platónica...



Un lenguaje que llega más allá, hasta la piel. Imágenes que son táctiles, que nos hablan con sensual y largo aliento, que son conscientes de su respiración.

Se consideraba que la forma en que Whitman se refiere a las sensaciones del entorno y del propio cuerpo era absolutamente intolerable: “Creo en la carne y en los apetitos, ver, tocar... ¡cuantos milagros!. Y cada parte de mi ser es un milagro.” Como Whitman, Ana Beltrán ofrece el mundo visible, audible, palpable y olfateable que nos rodea.